11.3.18

Discos, LP (Long Play) o Álbum más Vendidos en Venezuela en la Historia

Ricardo Montaner es el venezolano que ha vendido más discos, 22 millones de copias vendidas en todo el mundo. Por otra parte, el cantautor venezolano Simón Díaz (Tío Simón), es conocido internacionalmente por ser el autor de "Caballo Viejo" que tiene alrededor de más de 300 versiones.

Discos, LP (Long Play) o Álbum más Vendidos en Venezuela en la Historia
• Ricardo Montaner (22 millones de copias vendidas en todo el mundo).
• Franco de Vita (20 millones de copias).
• José Luis Rodríguez “El Puma” (15 millones de copias).
• Salserín (5 millones de copias).
• Carlos Baute (5 millones de copias).

Nota: estas ventas de disco son casi insuperables por la piratería y los nuevos formatos digitales.

Otros Artistas, Cantantes y Grupos Venezolanos Destacados
 Mayre Martínez (1ra Latin American Idol).
 Voz Veis.
 Amigos Invisibles.
 Desorden Público.
 La Vida Bohème.
 C4 Trío.
 Mariana Vega.
 Rafael Brito (El Pollo Brito).
 Chino y Nacho.
 Reinaldo Armas.
 Luis Silva.
 Tambor Urbano.
• Un Solo Pueblo.

Artistas o Cantantes Venezolanos que Vendieron más Discos y Sonaron más en los Años 80
• Yordano Di Marzo.
• Guillermo Dávila.
 Fernando y Juan Carlos.
• Karina.
• Marlene.
 Guillermo Carrasco.
• Frank Quintero.
• Melissa.
 Carlos Mata.
• Aguilar.
 Colina.
 Daiquiri.

Orquestas más Exitosas de Venezuela
 Oscar de León (La Dimensión Latina, La Crítica y su Orquesta).
• Billo's Caracas Boys (fundada por Luis María Frómeta Pereira y Billo Frómeta en el año 1940).
• Los Melódicos (producción discográfica Nro. 100, sin contar recopilatorios o reediciones de todos sus éxitos, cifra no alcanzada por ninguna otra orquesta de baile en América).
 Sexteto Juventud.
 La Super Banda de Venezuela Guaco.
 Maracaibo 15.
 Cardenales del Éxito.
 Los Adolescentes, entre muchas más.

4.3.18

Trajes Folklóricos y Típicos de Venezuela

Aunque no existe mucha información al respecto, el más original traje típico de Venezuela es "El Garrasí", una camisa manga larga con cuello abierto o cerrado, pero corto y bordados a gusto del usuario. Muy fresco. Pero fue desplazado por el Liqui Liqui gracias a que el dictador Marcos Pérez Jiménez lo propuso como traje típico y sembró la imagen de su uso, junto con el vestido con flores y cabello trenzado de las mujeres, lo que quedó marcado en el uso nacional.

Nuestra coral ha usado con orgullo tres garrasí.

Trajes Típicos y Folklóricos Venezolanos. El folklore venezolano es uno de los más ricos y variados del continente americano, en donde cada región posee rasgos distintivos que los hacen únicos, como la comida, la música y los trajes que son muy populares en cada región de Venezuela.

Liqui Liqui, Liquiliquis o Liquilique: es el traje tradicional de los Llanos venezolanos y es utilizado mayormente como atuendo masculino del joropo, consta de sombrero pelo e guama, camisa, pantalón y alpargatas, también es utilizado por las mujeres.

Traje Típico de Mujer para Bailar Joropo:vestidos estampado largo o puede ir arriba de las rodillas, algunos con armador y de seda, alpargatas, y en la cabeza usan un tocado de diferentes flores y colores.

Traje Típico Merideño: sombrero de cogollo, traje confeccionado con telas de lino o algodón, de color blanco o caqui, alpargatas y para protegerse del frío, usan una ruana tejida con lana.

Traje Típico de la Guajira (Maracaibo): compuesto por una amplísima bata de muchos colores, sandalias con enormes bellotas o grandes motas de lana de diferentes colores, y cartera tejida.

Traje Típico de Margarita (Nueva Esparta):pantalón blanco remangado a media piernas, franela a rayas y un sombrero de moriche.

Traje Típico del Amazonas: las mujeres usan una falda florida a media piernas y blusa blanca con cinturones y collares indígenas, el hombre con trajes de pescador, pantalones blancos y camisa de color con collares indígenas, algunas tribus todavía usan guayuco y el torso desnudo.

25.2.18

Bailes Populares, Folklóricos y Típicos de Venezuela

Bailes Populares, Típicos y Folklóricos Venezolanos. Las festividades de los pueblos venezolanos se caracterizan por mucha música y bailes que son muy coloridos, cargados de los más hermosos ritmos musicales, bailes tradicionales que escenifican y representan lo más bello y folklórico de Venezuela.

El Carite: baile típico y muy popular del oriente venezolano.

El Sebucán: se baile en diferentes partes del país, se le suele llamar también las cintas ó el palo de las cintas.

Las Turas: es un baile típico religioso de origen indígena que se celebra en los Estados Lara y Falcón.

El Pájaro Guarandol: comparsa que esta formada por varias personas que danzan y cantan.

La Burriquita: el personaje principal viste un disfraz de burra y jinete al mismo tiempo, y baila al compás del joropo.

Los Tambores en Las Costas: muy bailados en el Estado Vargas, Aragua, Carabobo y Sucre.

Tamunangue o Golpe Tocuyano: también conocido como Golpe Larense o Joropo Larense, música y ritmo que son oriundo de El Tocuyo, Estado Lara.

La Gaita: es la música y el baile típico en todas las navidades del país, originaria del Estado Zulia.

El Calipso: a pesar que es un género musical originario de Trinidad y Tobago, es muy popular en Venezuela y se conoce como; El Calipso venezolano o El Calipso de El Callao.

El Baile del Joropo: acompañado de la música llanera, es el baile que más se canta y se baila en toda Venezuela.

18.2.18

Clases, Modelos, Historia y Tipos de Arpas Musicales

Clases, Modelos y Tipos de Arpas Musicales. El Arpa es uno de los instrumentos musicales de cuerda más antiguos del mundo, se han encontrado grabados de arpas en Sumeria y Babilonia que se remontan al año 3000 A.C.

- Arpa Egipcia: era el instrumento musical más utilizado por los egipcios.

- Arpa Medieval: es de origen irlandés, conocida como Arpa Bárdica. Tiene una altura no superior a los 75 cm., cuerdas metálicas y de afinación diatónica.

- Arpa Celta: de origen galés, puede tener una altura de 105 cm., con 34 cuerdas y tiene la posibilidad de incorporar sistemas de semitonos.

- Arpa Wire Strung: existieron en Irlanda y Escocia desde el siglo X. Se usaban para acompañar a la poesía y el canto de los salmos.

- Arpa Gótica: utilizadas a mediados del siglo XIV hasta finales del siglo XVI. Esta Arpa fue el estándar en Europa en la Edad Media y el Renacimiento.

- Arpa de Cuerdas Cruzadas o Arpa de Dos Órdenes: creada en España en el año 1500, está formada por dos planos de cuerdas, una con notas naturales y otra con semitonos cruzadas en X.

- Arpa Doppia, Arpa Barroca Triple o Arpa de Tres Planos de Cuerda Paralelos: usada en Italia y España desde el año de 1607, está formada por tres hileras de cuerdas paralelas.

- Arpa de Dos Planos de Cuerda Paralelos: tiene dos planos idénticos de cuerdas paralelas, que están afinadas diatónicamente con levas en cada lado. Para lograr los semitonos se mueven las levas como en un arpa de levas normal.

- Arpa Paraguaya: se remonta a los siglos XVI y XVII. Es considerada el Instrumento Nacional del Paraguay.

- Arpa Andina: se caracterizan por tener una caja de resonancia de grandes dimensiones.

Historia del Arpa en Venezuela: se remonta a la época de la colonia, fue introducida por los españoles aproximadamente en el siglo XVII, y fue utilizada con fines religiosos y recreativos.

- Arpa Llanera: es la más conocida, pero no es exclusiva de los venezolanos, se toca en la región de los llanos, en los Estados Apure, Barinas, Guárico, Cojedes y Anzoátegui, también en el Departamento del Arauca, de los Llanos Orientales Colombianos.

- Arpa Central: se ejecuta solamente en Venezuela, principalmente en los Estados del centro-norte de Venezuela, Miranda, Aragua, Carabobo y la Región Capital.

En la actualidad existen los siguientes tipos y modelos de Arpas:

- Arpas de Folklore: las cuerdas están en un solo plano, están producen los tonos pero no los semitonos. Son diatónicas.

- Arpa Folklórica Moderna con Levas (Neo Célticas): tienen una leva para cada cuerda que al accionarla permite alzar esa nota al semitono. Es diatónica.

- Arpa de 2 o 3 hileras de cuerdas cruzadas o no: cada hilera de cuerdas tiene su propia afinación.


- Arpa Clásica: tiene siete pedales para hacer los sostenidos y bemoles. Este mecanismo de pedal fue introducido en Alemania en el año 1720 y luego Sébastien Erard la perfecciona en el año de 1810 con la invención de los pedales de doble movimiento. Este tipo de Arpa se afina diatónicamente como el Arpa Folklórica.

11.2.18

Ferias Populares y Religiosas en Venezuela

Fechas y Lugares de las Ferias Populares y Religiosas de Venezuela.En Venezuela hay una gran variedad de ferias populares y religiosas a lo largo de todo el año, todo esto gracias a la diversidad de religiones y razas que se encuentran en el territorio nacional.

Enero
Paradura del Niño - 1 de enero - Estado Mérida.
Fiestas de la Divina Pastora - 14 de enero - Estado Lara.
Feria Internacional de San Sebastián - Enero - San Cristóbal.

Febrero
Los Vasallos o Danceros de la Candelaria - mes de febrero - La Parroquia (Mérida).
Día de la Virgen de la Candelaria - 2 de febrero - Cumarebo, Municipio Zamora (Falcón), La Parroquia (Mérida).
EL Calipso - durante el Carnaval - El Callao (Bolívar).
Baile de la Hamaca - martes de Carnaval - Rancho Chico, Puerto Cabello, Patanemo (Carabobo).
Feria del Sol - Carnaval - Mérida (Mérida).

Marzo
El Nazareno de San Pablo - marzo o abril - Caracas.
Feria de Calabozo - del 4 al 14 de marzo - Calabozo (Guárico).
Feria de San José - del 16 al 25 de marzo - Maracay (Aragua)
.
Abril
San Francisco de Padua - 2 de abril - San Francisco de Yare.
Pasión Viviente en Santo Domingo y La Parroquia - Semana Santa - Estado Mérida.
Fiestas Patronales de San Felipe - 29 de abril - San Felipe (Yaracuy).

Mayo
Velorio de la Cruz de Mayo - mes de mayo - en todo el país.
Festival Internacional Voz del Alma Llanera - del 3 al 5 de mayo - San Fernando de Apure (Apure).
Día de la Virgen de Santa Rita - 22 de mayo - Santa Rita de Manapire, Estado Guárico.

Junio
Fiestas Patronales de San Antonio de Padua - 13 de junio - Estado Lara.
Tambores de San Juan - 24 de junio - Curiepe (Miranda).

Julio
Patrona Santa Ana de Morón - 26 de julio - Municipio Juan José Mora (Morón) Estado Carabobo.
Fundación de la Ciudad de Caracas - del 21 al 29 Julio - Caracas.

Agosto
Feria Internacional de Artesanos - mes de agosto - Tintorero (Lara).
Feria de la Consolación - del 15 al 21 de agosto - Táriba (Táchira).
Feria del Orinoco - ultima semana del mes - Ciudad Bolívar (Bolívar).

Septiembre
Fiestas en honor de Nuestra Señora de Coromoto - del 5 al 11 de septiembre - Naiguatá.
Aparición de la virgen de Coromoto - 8 de septiembre - Guanare, Estado Portuguesa.
Coronación de la virgen de Coromoto - 11 de septiembre - Guanare, Estado Portuguesa.
Fiestas Patronales de Nuestra Señora del Valle - del 7 al 11 de septiembre - El Valle del Espíritu Santo (Nueva Esparta).
Baile de las Turas - 23 y 24 de septiembre - Mapararí (Falcón).

Octubre
San Francisco de Asís - 4 de octubre - Valles de Aragua (Aragua).
Festividad por el Día de los Espíritus - 12 de octubre - Montaña de Sorte (Yaracuy) Montaña de María Lionza.

Noviembre
Clásico Nacional de Pesca del Rey - 7 y 8 de noviembre - Península de Paraguaná (Falcón).
Feria de la Chinita - del 15 al 22 de noviembre - Maracaibo (Zulia).

Diciembre
Celebración del Día de Santa Bárbara - 4 de diciembre - todo el país.
Virgen de Guadalupe - 12 de Diciembre - Santuario del Carrizal (Falcón).
Pastores de San Joaquín - 24 de diciembre - San Joaquín (Carabobo).
Nacimiento del Niño Dios - 24 de diciembre - todo el país.
Los locos de la vela - 28 de diciembre - La Vela de coro (Falcón).
El baile del Mono - 28 de diciembre - Caicara de Maturín (Monagas).
Las Zaragozas - 28 de Diciembre - Sanare (Lara).

Publicado en los portales hermanos CATOLISTECH y ACTUALIDAD-24.

Historia del Merengue

El merengue tiene elementos de la contradanza, la mazurca y el vals europeo, cuya influencia se extendió por Haití, Venezuela y las Antillas, donde se acompañaba con instrumentos típicos como el tiple, la bordona, el cuatro, el seis y el doce, más tarde, con la tambora, el güiro, la bandurria y el acordeón. Según algunos, nació como una melodía criolla tras la batalla de Talanquera donde triunfaron los dominicanos.

El merengue procede de una de las partes de una melodía llamada UPA Habanera con origen en África Occidental, que pasó a Puerto Rico y Venezuela, de donde llegó a Santo Domingo a mediados del siglo XIX, entre 1838 y 1849. Este baile tenía un movimiento llamado merengue que le dio el nombre al baile actual. En 1844 el merengue aún no era popular, pero en 1850 ya se puso de moda y fue bien acogido entre los dominicanos. En la década de 1850 se desencadenó una campaña en contra del merengue, que ya se había ido difundiendo entre las masas populares pero que era rechazado por la clase alta por su vinculación con la música africana y por sus letras picarescas y vulgares.

En sus orígenes, el merengue era interpretado con guitarras. Años más tarde, las guitarras fueron sustituidas por el acordeón conformándose, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el acordeón, la africana por la tambora (tambor de dos parches), y la taína o aborigen por la güira.

Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en especial en el Cibao y en la Línea Noroeste, hay todavía conjuntos típicos con características similares aquellos pioneros, este ritmo fue evolucionando durante todo el siglo veinte. Primero, con la introducción de nuevos instrumentos como el saxofón y más tarde con la aparición de orquestas con complejas secciones de vientos. Este ritmo ha tenido actores notables como Luis Alberti, Johnny Ventura, Félix del Rosario, Wilfrido Vargas y Juan Luis Guerra.

Origen de la Palabra Merengue 
El origen de la palabra merengue se remonta a la época de la colonia y proviene del vocablo muserengue o tamtan mouringue, nombre que se daba a los bailes entre algunas de las culturas africanas que, traídas desde las costas de Guinea, llegaron a la costa atlántica colombiana y venezolana.

Primera Forma de Estilo Merengue
El Perico Ripiao (también conocido como el merengue típico) fue la primera forma de merengue y su origen es en los campos del cibao. El Perico Ripiao se toca con guira, tambora y acordeón (también dicho como "fiestas de acordeón"). Los cantos del perico ripiao son diferentes al merengue de orquesta o de banda. Los cantos son en forma de décimas y son versos simples con frases poéticas. El perico ripiao tiene ritmo rápido y es mucho más popular en el cibao (en los campos cibaenos) que en la capital de la república.

Merengue de Hoy 
Para el año 1980, el merengue empieza el periodo llamado la época de oro, caracterizado por la aparición de nuevas agrupaciones, sonidos y carácter. Algunos de los artistas más destacados son Wilfrido Vargas, Omega & Su Mambo Violento, Johnny Ventura, Sergio Vargas, Los Hermanos Rosario, Olga Tañon, Los Melódicos, Conjunto Quisqueya, Fernando Villalona, Eddy Herrera, Milly Quezada, Héctor Acosta (El Torito), Ruby Pérez, Rikarena, Jochy Hernández, Jossie Esteban y la Patrulla 15, Liz y su Banda Show, y por supuesto el popularísimo Juan Luis Guerra entre otros. Estos llamaron la atención gracias a sus melodiosas canciones y ritmos.

4.2.18

Clases, Modelos y Tipos de Cuatro Venezolano

El cuatro es un instrumento musical que viene de la familia de la guitarra, este se utiliza en toda Latinoamérica, principalmente en México, Puerto Rico, Colombia y Venezuela.

La historia de Cuatro se remonta a instrumentos muy similares que aparecen en grabados Iraníes y Cretenses en forma ovoidal y cuadrado, luego se ve en España a comienzos del siglo XIV con cuatro órdenes y muy parecido al actual. 

Historia del Cuatro venezolano (Cuatro Llanero, Cuatro Tradicional o Cuatro Criollo): El cuatro llega a Venezuela el siglo XVI con la conquista española, entra por la Ciudad de Coro para luego pasar a El Tocuyo, Carora, Barquisimeto, Portuguesa y Barinas. El cuatro venezolano se utiliza en el joropo, merengue venezolano, y es parte fundamental de los conjuntos de música llanera, junto al arpa llanera y las maracas.

Clases, Modelos y Tipos de Cuatro de Venezuela: hay diferentes tipos de cuatros, que varían según el número de cuerdas y la afinación.

Cuatro Monterol o Tamunanguero: es un cuatro de caja pequeña con cinco cuerdas que se emplea en el Estado Lara para el Tamunangue.

Cuatro y Medio: es un cuatro con una cuerda complementaria que se sujeta por una clavija en la parte inferior del mango.

Cinco: este se caracteriza por ser un poco más grande que el cuatro normal, y recibe su nombre debido al número de órdenes o afinaciones. Es utilizado en los Estados Andinos, Lara, Falcón y Carabobo.

Cinco y Medio: es igual al cuatro y medio, este agrega una cuerda denominada tiple que aporta una resonancia permanente.

Seis: es un poco mayor que el cinco, tiene seis cuerdas pero cinco órdenes Es utilizado en los Estados Lara y Falcón.

Octavo: tiene ocho cuerdas dispuestas en cuatro órdenes dobles, es una guitarra renacentista en desuso.

3.2.18

Ser Culto e Inteligente en la vía de los Sentimientos

"Cultura", el término más difícil del mundo. Porque es tan amplio y demostrable que cuesta negar lo que podamos decir sobre qué es cultura y qué no lo es.

"Inteligencia", la capacidad de ver, describir, entender, aplicar, crear, aumentar, refutar y muchas más actividades.

"Sentimientos", un proceso de enseñanzas, acciones, entorno, decisiones, visión, querer recibirlos, admirarlos, exponerlos, aplicarlos, aumentarlos.

Pueden sonar ambiguos demostrados de esa manera. Pero lo vivencial y su comunión son los que los hacen demostrar que son útiles de la manera correcta: no haciendo daño a nadie, ser útil para más de uno.

El paso por la vida es la conjunción de esa triada. Sea de manera empírica, bajo instrucción o construida por un entorno social, las tres son parte del humanismo y la posibilidad de ofrecer a la sociedad ejemplos, entre aciertos y fallas, siendo éstos últimos aceptables según -irónicamente-, el mismo entorno o momento social.

Una persona puede ser culta e inteligente y crear entre ambas facetas una paridad. La que lo lleva a una ruta, son los sentimientos. Su amor por la vida propia y ajena, su empatía con el entorno, sus ganas de progresar en equipo, su ánimo de no ser una molestia social, su búsqueda de demostrar su lugar en el mundo sin ser ególatra; en contraparte, su resentimiento, desdén, burla, ansias de poder, de transformar a los demás en su séquito desechable, etc.

Como ven, la cultura e inteligencia son parte de la construcción, que puede ser muy sólida seas bueno o malo. Más el bien y el mal debieron estar en los cimientos y en las paredes de ese hogar que es el corazón, donde habita el alma, donde habita la mente.

Sin el bien, la cultura e inteligencia son viables, pero un peligro.

Se puede ser culto e inteligente, pero sólo podemos valorizar a la persona en cómo aplique tan grandes poderes.

Hitler era culto e inteligente, pero su corazón era impuro. Gandhi era inteligente y culto, su corazón lleno de bien. 2 mentes y preparaciones distintas pero enfocadas en el crecimiento psicosocial, pero su´s corazones fueron las verdderas brújulas para sus vidas.

Demeritar el conocimiento y cultura ajena es un problema a menos que el ser decida y demuestre sin tapujos ser un cernícalo descarado. Quitarle los méritos de instrucción a alguien por los mandatos de su corazón es también un acto de hipocresía o envidia.

Simplemente, aléjate de quien utiliza lo que sabe para dañar. Porque es claro que esa persona sabe lo que hace.

La cultura e inteligencia que están en ti, también te sirven como escudo de bien contra el mal o de imán si así lo decides, pero nunca una venda en los ojos o para decir falacias. De caer en ello, simplemente te transformas en lo que criticas y eso no es culto ni inteligente.

Ser listo, suspicaz, pícaro, observador, es parte de la construcción de la inteligencia y la cultura. El cómo lo guíes, para bien o mal, marcará tu destino.

Lcdo. Argenis Serrano

28.1.18

Orquestas de Salsa más Antiguas y Famosas

Las Bandas de Salsa más Famosas y Antiguas de la Historia. Los mejores Grupos de Salsa en la Historia. En Cuba se crea la música con ritmos afrocaribeños, Puerto Rico la desarrolla, en New York se mezcla con el jazz y en Venezuela, Phidias Danilo Escalona le da el nombre de “Salsa”.

Orquestas de Salsa más Antiguas y Famosas

La Sonora Ponceña (1954 - presente)
Fundada en Puerto Rico en el año de 1944 por Enrique "Quique" Lucca Caraballo con el nombre de Orquesta Internacional, luego en febrero de 1954 cambia su nombre a La Sonora Ponceña, se les conoce también como Los Gigantes del Sur.

El Gran Combo de Puerto Rico (1962 - presente)
Fundado en Puerto Rico por Rafael Ithier en mayo de 1962, también se les conoce como La Universidad de la Salsa.

Sexteto Juventud (1962 - presente)
Fundado en Venezuela el 13 de mayo de 1962, con el nombre de Conjunto Rítmico Juventud y luego se convirtió en el Sexteto Juventud, su director fue Olinto Medina.

The Lebron Brothers o Los Hermanos Lebrón (1965 - presente)
Fundada en Nueva York por los Hermanos Lebrón en el año de 1965. Los Hermanos Lebrón son una familia musical nacida en Puerto Rico y criada en Brooklyn, Nueva York.

Federico y su Combo Latino (1965 - presente)
Fundado en Venezuela en el año de 1965 cuando Federico Betancourt adquiere El Combo Latino, cambiando de nombre a Federico y su Combo Latino. Federico Betancourt es el gran pionero de la salsa en Venezuela, ya que la producción discográfica "Llegó la Salsa" en 1966, fue el primer LP que utilizó la palabra Salsa en Venezuela.

Orquesta Los Satélites de Venezuela (1966 - presente)
Fundada en Maracaibo, Venezuela, en el año de 1966, por José Rafael Mendoza (Cheche Mendoza).

Fania All-Stars (1968 - presente)
Fundado en Nueva York, Estados Unidos, en el año de 1968 por los mejores músicos del sello Fania Records. El director artístico de la mayoría de las grabaciones de la Fania All-Stars fue Johnny Pacheco.

Orquesta Puerto Rican Power (1970 - presente)
Fundada a principio de los años 70 por el bajista Jesús "Chuy" Castro.

La Dimensión Latina (1972 - presente)
Fundada en Venezuela el 15 de marzo de 1972 por Oscar D'León, César Monges (Albóndiga), José Rodríguez (Joseíto), José Antonio Rojas (Rojitas), Elio Pacheco y Enrique (Culebra) Iriarte.

Sonero Clásico del Caribe (1976 - presente)
Fundada en Venezuela el 3 de diciembre de 1976 por Carlos Emilio Landaeta, el popular "Pan con Queso".

Grupo Niche (1978 - presente)

Fundado en Colombia en el año de 1978 por Jairo Varela, quien fue su director y cantante.

21.1.18

Historia de la Salsa

Orígenes
Las raíces de la salsa pueden remontarse a los ancestros africanos que fueron enviados al Caribe por los españoles como esclavos. Es en África donde con mayor frecuencia la música es principalmente interpretada o acompañada por instrumentos de percusión, tales como la conga o la pandereta, comunes en la salsa.

El antecedente más directo de la salsa es el Son cubano, el cual es una combinación de influencias españolas y africanas. En general, la música tradicional cubana es considerada como origen de la salsa. Como precursores de la salsa se considera principalmente a los géneros, el Son y el Mambo, además de los ritmos tradicionales de la Rumba cubana (guaguancó-yambú-columbia, guaracha, bolero. Muchas bandas de Son, han sido populares en Cuba, comenzando en los años 30; éstos fueron septetos y sextetos. Finalizando la década de 1940, estas bandas crecieron mucho, convirtiéndose en orquestas de mambo y guaracha, lideradas por directores de orquesta como Ignacio Pineiro, Arsenio Rodríguez y Félix Chappotin.

Si hablamos de los orígenes de la salsa, mención aparte merece el gran Rafael Hernández (1891-1965) considerado por muchos como el padre de la guaracha la cual hoy conocemos por "salsa". "El Cumbanchero", "Lamento borincano", "La Cucaracha", También hay que hacer mención al Venezolano Hugo Blanco, autor de la canción "Moliendo Café", una de las primeras, sino la primera, interpretación de salsa.

En la ciudad de Nueva York, en el centro para el mambo en los Estados Unidos, el Palladium Ballroom, y en la Ciudad de México, donde la industria fílmica atrajo a músicos de diferentes latitudes, el estilo cubano de las bandas fue formado por cubanos, portorriqueños y dominicanos. Podríamos mencionar especialmente a la Sonora Matancera, Orquesta Aragón, Machito, Dámaso Pérez Prado, Tito Puente, Johnny Pacheco y Tito Rodríguez.

El Mambo fue muy influenciado por el Jazz y fueron las grandes bandas de Mambo las que mantuvieron viva la larga tradición del Jazz mientras los maestros originales del Jazz se estaban moviendo en las pequeñas áreas de la era del bebop. En la década de 1950, la música bailable cubana, como el mambo, la rumba y el cha-cha-chá, fueron música de corriente principal en los Estados Unidos y Europa.

No podemos ignorar la importancia que tuvo el crisol de músicos latinos en los Estados Unidos, en especial en el área de Nueva York. En los 40 y 50, orquestas como la de Xavier Cugat y Machito, los excelentes intérpretes como Tito Rodríguez y Miguelito Valdés, fueron sentando las bases para el cosmopolita sonido de la Salsa. La música cubana interpretada en Nueva York desde 1960 fue liderada por músicos como Ray Barretto y Eddie Palmieri, influenciados por ritmos cubanos importados como la pachanga y el chachachá, si bien después de la crisis de los misiles de 1962, el contacto cubano-americano decayó profundamente, el resultado fue el crecimiento de la influencia puertorriqueña en la música cubana desarrollada en Nueva York. La comunidad portorriqueña de Nueva York, llamada por los estadounidenses Nuyorican o Nuyoricans, influenciada por muchas culturas latinas, así como por el contacto cercano con reconocidas celebridades cubanas.

Orquestas de Salsa
De cualquier forma, se dice que el crecimiento de la salsa moderna comenzó en las calles de Nueva York a finales de los 60 y principios de los 70. Por esta época, el pop latino no tomó una fuerza importante en la música americana, al perder terreno frente al doo wop, al R&B y al rock and roll, pero hubo unos pocos ritmos jóvenes para danzas latinas tales como el soul y la fusión de mambo boogaloo, pero la música latina dejó de ser parte importante de la música popular americana.

Con la salsa se originó una nueva corriente musical, para lo que colaboraron músicos de muchos países diferentes de América Latina. Sin embargo, se pueden identificar a sus precursores en la historia de la música.

Manhattan Recording Company, Fania Records, introdujo muchos de los primeros cantantes y músicos de la primera generación al mundo. Fundada por el flautista dominicano y líder de banda Johnny Pacheco y Jerry Masucci, la ilustre carrera de la Fania comenzó con Larry Harlow, El Malo de Willie Colon y el Cantante de los Cantantes, Héctor Lavoe en 1967. Esto fue seguido por una serie de modernos son montuno y plena que se desarrolló en la salsa en 1973.

Casi al mismo tiempo surgieron más centros de la salsa en Puerto Rico, Perú, Ecuador, Panamá, Venezuela y Colombia. En Estados Unidos el boogaloo precedió a la salsa, la cual lo sustituyó casi completamente.

Por razón de los muchos inmigrantes cubanos en Estados Unidos, Miami se convirtió en la segunda gran metrópoli de la música cubana, y por consiguiente, de la salsa. Contrariamente a Nueva York, la comunidad cubana determinó mucho más la vida en Miami, así que la feria en la Calle 8 casi ha aventajado al festival tradicional en el Madison Square Garden. Desde Nueva York la ola de salsa se derramó primero en América Latina, y en los años ochenta hacia Europa. Debido a los muchos emigrantes de Perú, Ecuador se fundaron también importantes enclaves de salsa en Japón.

Fue el sello Fania Records, de Johnny Pacheco y Jerry Massucci quien dio el espaldarazo a este género al grabar y distribuir los discos de la gran mayoría de las estrellas salseras de los años setenta. La agrupación de todas esas estrellas formaron la Fania All Stars, considerada por muchos como la máxima expresión de la salsa, que realizó inolvidables conciertos en varios clubes neoyorquinos así como en lugares alejados como Japón y África.

1970
Desde Nueva York, la salsa se expandió rápidamente a Puerto Rico, Venezuela, Colombia, Panamá, Ecuador, Perú, República Dominicana, México, y otros países latinos. Músicos y cantantes como Tito Puente y Celia Cruz solidificaron sus nombres no solo en hogares latinos norteamericanos sino sobre todo en el Caribe. Después, grupos como el El Gran Combo, Roberto Roena Y Su Apollo Sound y La Sonora Ponceña entre otros, los siguieron.

En los años setenta se produjeron muchas innovaciones musicales entre músicos salseros. El cuatro Puertorriqueño fue introducido por Yomo Toro y el piano eléctrico por Larry Harlow, mientras vocalistas como Cheo Feliciano, Soledad Bravo, y Celia Cruz adaptaron canciones Brasileras al género. Ray Barretto, Típica 73, Conjunto Clásico, Rubén Blades, La Dimensión Latina con Oscar D' León y Eddie Palmieri fueron otros artistas importantes de la era, mientras Fruko puso influencias colombianas a la salsa y trajo la música a su tierra. En los 80, Fania Records dejó de ser el líder de la salsa, pues se vio debilitada por TH-Rodven y RMM.

1980
Surge la llamada Salsa Romántica, que es un ritmo popular en Nueva York a finales de los 60 pero el despegue definitivo se da en los 80. Este género se caracteriza por las melodías lentas y las letras con corte de amor, de sueños y placeres. Recientemente se publicó en un artículo que un músico de la costa oeste de los Estados Unidos, el líder de la orquesta La Palabra, se adjudica con hechos la paternidad de este género, que no es otra cosa que re-grabar baladas en ritmo de salsa. Pero por esos azares de la vida y la industria disquera, es Louie Ramírez y su grupo Noches Calientes quien de manera casi accidental crea la fiebre en Nueva York en el año 1983. Es considerado el inicio de esta era, que pronto fue dominada por las estrellas puertorriqueñas como Frankie Ruiz, Eddie Santiago, Paquito Guzmán y que decir del romántico y maestro de jazz; Willie Gonzáles y el muy talentoso nicaragüense Luis Enrique que a finales de los 80s y comienzos de los 90s le dio a la salsa un toque muy especial recibiendo la admiración de sus contemporáneos. Finalizando 1980, la salsa fue influenciada por el rap latino y la desarrollaron artistas como Willie Colón y Sergio George regresando la música a sus raíces del mambo y agregando una sección prominente de trombón.

Durante 1980 la salsa se expandió a México, Argentina, Europa y Japón, donde fue popularizado por la famosa Orquesta de la Luz, u Orchestra of the Sun, también se volvió famosa en muchos países latinoamericanos. Colombia aportó algunas innovaciones de salsa a través de orquestas tradicionales de los 70s como Fruko y sus Tesos y Latin Brothers, y otras de los 80 como Los Nemus del Pacífico, Grupo Niche, La Misma Gente, Los Titanes, Orquesta Guayacán, Los Niches (formado por algunos ex-integrantes del Grupo Niche) y Son de Cali (formado por Javier Vásquez y Willie García, dos ex-cantantes del Grupo Niche). Joe Arroyo (anteriormente cantante de Fruko y sus Tesos) agregó influencias de cumbia.

El cubano Roberto Torres y el colombiano Humberto Corredor Guajiro Records inventaron el concepto la charanga-vallenata en los 80s, haciendo de Miami un centro de salsa. La salsa de Venezuela también se volvió popular, especialmente Oscar D' León, mientras que otros, como Nelson Pueblo, agregaban influencias de música llanera nativa. El puertorriqueño Cano Estremera al separarse de Bobby Valentin se convirtió en otro cantante popular de salsa en la segunda mitad de 1980.

El embate de la Salsa en México comienza con diversas orquestas de ritmos afrocubanos desde décadas anteriores, entre éstas orquestas estaban la Sonora Matancera y la Sonora Maracaibo, y por parte de México la Sonora Santanera, más tarde, el grupo Yímbola Combo a finales de los 70's graba para discos Gas varios LP de Salsa, primera agrupación mexicana en el género, años después llegarían otras agrupaciones colombianas como Fruko y sus Tesos a través de Discos Peerless bajo licencia de Discos Fuentes de Colombia, pero su implantación definitiva fue cuando Discos Musart emite la mítica serie de LP llamada "Salsa Colección Estelar" en el año de 1988, de ahí en adelante la Salsa goza de mayor popularidad que desbanca a la Cumbia que era el ritmo predominante en ese país.

1990
Volviendo a la salsa de Cuba, la timba sacó en ritmo de songo y fue inventada por bandas como Los Van Van y NG La Banda. En 1990 a esta forma de salsa cubana se le llamó timba y se volvió popular a través del mundo. Otra forma de salsa cubana es el songo-salsa, con mucho rapeo.

La salsa registró un crecimiento regular entre los años 70 y el 2000 y ahora es popular en muchos países Latinoamericanos y algunos espacios del mercado estadounidense. Entre los cantantes y músicos destacados en los 90 encontramos a figuras como Luis Enrique, Jerry Rivera, Marc Anthony, La India, Gilberto Santa Rosa, Víctor Manuelle y Michael Stuart.

Las más recientes innovaciones en este género incluyen híbridos como el merengue-house y salsa-rengue, junto con la salsa gorda. Desde mediados de 1990, los artistas africanos también han estado muy activos a través del súper grupo Africando, donde los músicos neoyorquinos mezclan con cantantes africanos tales como Bambino Diabate, Ricardo Lemvo, Ismael Lo y Salif Keita.

La Salsa es solo uno de muchos géneros latinos que ha venido siendo influenciado por músicas del oeste africano.

Origen de la Palabra Salsa
Salsa significa «aderezo» en español, popularmente se ha adoptado como una palabra asociada metafóricamente con el sabor, la alegría y la fuerza de la vida. Musicalmente se le identifica con una gran colección de subgéneros y ritmos fundamentalmente cubanos, adoptando matices y acentos distintos en diversas partes del mundo de habla hispana.

El término se ha usado por inmigrantes dominicanos y puertorriqueños en Nueva York para designar el swing.

La autora de música mundial Sue Steward afirma que la palabra fue originalmente usada en la música como un “llanto de apreciación para un picante particular o un solo rápido”, viniendo a describir un género de música específico de la mitad de los años 70 cuando un grupo de músicos latinos de Nueva York, comenzó a examinar los arreglos de las grandes bandas clásicas populares desde la era del mambo de 1940 y 1950. Ella menciona que la primera persona que usó el término “salsa” para referirse a este género musical fue un dj de radio venezolano de nombre Phidias Danilo Escalona quien emitía un programa radial matutino llamado "La hora de la Salsa" en el que se difundía la música cubana producida en Nueva York como una respuesta al bombardeo del Rock en aquellos días (Beatlemanía). Era la hora del almuerzo, del aderezo, del sabor, y por supuesto, del son, el guaguancó, la bomba, la plena, la guaracha y el montuno. En una entrevista con Richie Ray y Bobby Cruz, Richie le respondió a Phidias Danilo Escalona que la música que ellos tocaban era como el "ketchup" o sea una salsa.

Ed Morales también menciona la palabra usada para animar una banda que incrementa el tiempo y pone a los bailarines en una parte alta para agradecer un momento musical y expresar un tipo de nacionalismo cultural, proclamando el calor y sabor de la cultura latina, él también menciona a Johnny Pacheco, un músico dominicano que realizó un álbum llamado Salsa Na' Ma, que Morales tradujo como “Sólo necesitas un poquito de salsa o condimento”. Otros aseguran que estando de gira por los Estados Unidos el sexteto de Ignacio Piñeiro, la canción Échale salsita fue la que le dio origen al término.

14.1.18

PETICIÓN: No al cierre de las actividades artísticas de la Orquesta Sinfónica del Estado Lara

Para realizar la firma de la carta, ir a esta dirección web: NO AL CIERRE DE LA OSL

Los integrantes de  la Orquesta Sinfónica del Estado Lara denunciamos el cierre artístico de nuestra institución, siendo la OSL la primera orquesta del interior de Venezuela en profesionalizarse, insigne representante de nuestro acervo cultural regional y nacional en escenarios nacionales e internacionales y de donde han salido grandes músicos, dignos representantes de nuestra Patria.
Somos ochenta familias, entre trabajadores del personal obrero, administrativo y musical, las cuales nos vemos afectadas por tal situación. Motivado a la ausencia de políticas culturales que permitan su buen funcionamiento administrativo y artístico;  la OSL  actualmente no percibe su salario desde julio del 2017. Esta realidad conlleva al desaliento de los trabajadores, obligándolos a buscar otros horizontes fuera de nuestra institución, situación que es grave, ya que nos quedamos sin el recurso humano necesario para nuestro funcionamiento.
La actual crisis presupuestaria nos ha obligado a suspender los concursos para nuevos ingresos, así como  también,  llevar a cabo nuestros programas artísticos y comunitarios por los diferentes municipios del Estado Lara.  Durante veintiocho años la OSL ha estado al servicio de la comunidad y a pesar de la gravedad de la situación no hemos dejado de ofrecer una intensa agenda de actividades artísticas dirigidas hacia la comunidad enmarcadas en programas sociales, entre los cuales destacan “Tiempo de Oro” cuyo objetivo es ofrecer tiempo de calidad a la familia Larense en los espacios abiertos de nuestra ciudad, “Una Nota en la Escuela” donde visitamos las escuelas para ofrecer conciertos pedagógicos y “Suena la Juventud”programa que sirve de tribuna para el desarrollo y promoción de nuestros jóvenes talentos musicales.
Luego de numerosas reuniones de la directiva de la OSL con los entes encargados de administrar los recursos del presupuesto del Estado Lara, los integrantes de la Orquesta Sinfónica de Lara, no hemos obtenido una respuesta efectiva que dé solución a nuestra crítica situación. Durante dieciocho años los sueldos han sido cancelados a través de los aportes recibidos por parte de la Gobernación del Estado Lara, siendo ésta la primera vez en la que nuestra institución llega a estas fechas sin recibir su remuneración desde el mes de julio 2017 además de no tener una respuesta concreta de parte del Gobierno Regional sobre los requerimientos presupuestarios para el año 2018 que contribuyan a la estabilidad de la institución y que nos garantice seguir ofreciendo a la comunidad larense nuestras actividades artísticas, a las cuales durante veintiocho años nos hemos dedicado ininterrumpidamente.
El 28 de Diciembre del 2017 en respuesta de lo solicitado en las reuniones, nos fue aprobado  un aporte  de 20.000.000Bsf el cual representa el 6,41% del total requerido. Solo si contamos con el apoyo del gobierno regional del estado Lara, lograremos consolidar económicamente a la Orquesta Sinfónica del Estado Lara y así, seguir construyendo el legado que les brindará a todos los niños niñas y jóvenes que se forman en las casas de estudios musicales de nuestro estado y del país la oportunidad de contar con una orquesta sinfónica profesional sólida que les permita laborar dignamente como músicos profesionales.
Hacemos un llamado a la reflexión al Gobierno Regional del Estado Lara e invitamos a seguir el ejemplo de otros estados de nuestro país, que han honrado la labor de sus orquestas sinfónicas profesionales al asumirlas como parte de su nómina. Pasaría a la historia de la cultura musical de nuestro estado quien le diera el trato digno a nuestra insigne institución.
¡Lara, estado musical de Venezuela!
Esta petición será entregada a:
  • Gobernadora del Estado Lara Almiranta en jefa Carmen Meléndez
  • Ernesto Villegas Ministro del Poder Popular para la Cultura
  • Ministerio del Poder Popular del Despacho de la Presidencia y Seguimiento de la Gestión de Gobierno

4.1.18

Coral de la Federación Médica, ¡Por Siempre Sonará!

El 09 de diciembre de 2017, la Coral de la Federación Médica Venezolana, Dr. Pedro Pérez Velásquez, ubicada en Caracas, Distrito Capital, ofreció su concierto de despedida.

Para algunos, la palabra "Despedida" y la época decembrina, sonó a concierto de Fin de Año. Pocos días antes nos enteramos vía Mail a los Colegios Médicos, Correos de Coordinadores, vía telefónica y redes sociales que sería su despedida, luego de 36 años ofreciendo arte y hermandad.

La noticia sorprendió, devastó y a su vez de comprendió. Su director, el profesor Luis Eduardo Galián Hernández, se dirigía a otros rumbos junto a su esposa, en pro de sus dos amores: la familia y la música.

Los integrantes de la coral decidieron que no buscarían otro director, por el fuerte lazo de formación, compañerismo y cariño con Galián. Quizá la vida les haga cambiar de opinión, pero esta es la que tomaron y se respeta. Como dice el titulo de este artículo, sus voces y presencia habitarán en mentes y corazones de cientos de personas, por siempre.

Lo que legaron
Eventos corales/teatrales como "Celestial FM" o "Añoranzas Caraqueñas", entre otras, son parte del legado de esta familia coral, desde que inició su periplo en 1981 siendo el Coro del Colegio de Médicos del Estado Miranda, luego C.M. de Distrito Capital, Estado Vargas, como independientes llamándose "Caracas 2000" y siendo su hogar último la FMV. Tanto nacional como internacionalmente, su aporte a la música es invaluable.

Asistieron al llamado de formación de los Encuentros de Coros Médicos realizado por el Estado Aragua hacia el año 1989, junto al C.M. Lara, siendo copartícipes en el mejoramiento y expansión del mismo.

Sus canciones
Quien éste artículo suscribe, quiere hacer un pequeño repaso de las canciones que a su mente viene, interpretadas por éste coro maravilloso, al menos desde que le conoció, sin comillas, sólo dándoles rienda suelta en títulos que construirían un poderoso playlist  para quien guste estas obras recopilar, en versión original y/o coral; siendo Barlovento una de las primeras, pasando por El Breve Espacio en que no Estás, Canción con Todos, Alma Llanera, La Muerte de Quirpa, Compadre Pedro Juan, Las Plenas de Puerto Rico, Noche de Mar, Bandera Tricolor, Ese Mar, Esta Bella Noche, Reverón, Don Ramón, Golosinas Criollas, Los Dos Gavilanes, El Cumbanchero, Joshua Fit of Battle of Jericho, Los Marcianos, El Desafío, El Santiguao, Drume Negrito, Piccolo Coro, Crece Desde el Pie, Dosel Ye Dosel Seleni, Poco a Poco, Chicha y Pasteles, Los Mareados, Catalina La O, Pueblos Tristes, Caballo Viejo, El Porompompero, Oriente es de Otro Color, Cuando te Beso, Que Alguien Me Diga, Peleas, Muie Rendeira, El Bodeguero, Llorando se Fue, La Bomba, El Ratón, Para Vivir, Yolanda, Por Alguien Como Tú, Contigo en la Distancia, El Yerberito, Padre Nuestro...

Y para nadie es un secreto que siempre lucieron unida a la canción interpretada con uno de los seres más llenos de luz, gracia y entrega que ha tenido el movimiento coral médico venezolano, el Dr. José Inojosa (+) y su inimitable "JADA".

Lo que sigue
Los coros médicos no escapan a los problemas del país y a su vez buscan las vías para existir, como coro y como amigos/familia. Y eso es lo importante. Pese a que falte esta importante pieza y existan algunas con problemas, las interpretaciones siempre quedarán donde los coros hayan estado. Ese legado vive en cada integrante.

Quien es coralista una vez, lo es por siempre. Se miente aquel que dice que por haberse retirado ya no lo es. Pues esa energía vivencial coexiste con cada actividad futura. Cada coro médico, particularmente, es una fuente de energía de amistad, familia, empatía, unión, carisma, camaradería y humor que en otros movimientos corales no hay, haciéndolos especiales y referencia obligatoria para quienes quieren estar en el predio coral de Venezuela.

Los amigos de la Coral PPV quizá no canten por un tiempo o sea permanente, pero sepan ellos que su paso en ese "Mega Coro", valió la pena y sentó precedentes de lo que es la constancia contra viento y marea. Seguir, es lo que sigue. Sentir es su elemento y el canto les dará el norte, porque él vive en ustedes y su llamado es armónico e ineludible.

¡Gracias Coral PPV, por su amistad, talento y entrega; salud profesor Galián y su esposa Sonia, van a ser por siempre recordados y queridos; el movimiento coral venezolano les agradece, los coro médicos les agradecen, la Coral JMV de Aragua, les saluda y manifiesta su aprecio infinito.

22.11.17

SANTA CECILIA ¿Por qué es la Patrona de los Músicos? (de @profesormarino)

Nuestro amigo, el profesor Ángel Marino Ramírez, Literato y Músico del Estado Nueva Esparta, conocido como "EL ESTUDIANTE DE ORIENTE", experto en décimas como declamador, exdirector de la Coral del Colegio de Médicos del Estado Nueva Esparta, presidente de la Fundación Internacional D' Canto, nos explica en este video que tomamos de su canal en YouTube, sobre el porqué la santa patrona de los músicos es Santa Cecilia.

En su canal nos describe: 
"Santa Cecilia de Roma, Patrona Universal de los músicos. No dejes de ver cuál fue su relación con la música, cómo fue la vida de esta mártir, la entrega a su fe, su cuerpo incorrupto y la errónea interpretación del acta de su martirio. Santa Cecilia bendice el arte de la música". Entrega nro 17 de las decimérides del Profesor Marino.

1.10.17

10 Cosas que NO debes decirle a un Músico

1.    ¿Aparte de música, que mas estudiaste? Claro porque estudiar música no requiere que le dedique mas de 5 horas de practicas mínimo de mi instrumento, eso sin contar todas las materias teóricas que tengo que cursar. Y a parte en mis exámenes de instrumento no le puedo copiar a nadie, porque soy el único responsable de que todo salga bien.
2.    Tu música suena como la de… Sabemos que intentas dar un cumplido y decirle algo bueno a tus amigos, pero en realidad decirle a alguien que su música o su canción suena muy parecida a cualquier otra que ya exista, no ayuda. En cambio si fuera un artista pop y le dices “Suenas como Katy Perry” o si fuera un cantante de Banda y le dices: “Compone como Espinoza Paz”, si seria un gran cumplido.
3.    ¡Deberías de hacer casting para La Voz! Claro como es la plataforma perfecta para despegar mi carrera musical. Por ejemplo ¿Qué fue de Oscar Cruz?
4.    ¿Cuándo te voy a escuchar en la radio? Cuando la radio ponga música de calidad y dejen de poner las mismas 40 canciones.
2.    Tu música suena como la de… Sabemos que intentas dar un cumplido y decirle algo bueno a tus amigos, pero en realidad decirle a alguien que su música o su canción suena muy parecida a cualquier otra que ya exista, no ayuda. En cambio si fuera un artista pop y le dices “Suenas como Katy Perry” o si fuera un cantante de Banda y le dices: “Compone como Espinoza Paz”, si seria un gran cumplido.
3.    ¡Deberías de hacer casting para La Voz! Claro como es la plataforma perfecta para despegar mi carrera musical. Por ejemplo ¿Qué fue de Oscar Cruz?
4.    ¿Cuándo te voy a escuchar en la radio? Cuando la radio ponga música de calidad y dejen de poner las mismas 40 canciones.
free ticket
5.     ¿Me vas a conseguir cortesías para tu próximo concierto? No tienes $50 pesos para apoyar mi carrera musical, pero si tienes $100 para gastarlo en una cubeta de chelas.
6.    Y a parte de la música ¿en que trabajas? Después de tocar en recitales,  misas, hacer arreglos, dar clases, estudiar, tocar en fiestas, cafés, bares, componer y mas. Me fijare si tengo tiempo de conseguir otro trabajo.
7.    ¿Y cual es tu plan B? ¿Cuál es el tuyo?
8.    ¡Este concierto les va a dar mucha proyección! Cuando en realidad querían decir “No tenemos dinero para pagarles, queremos que toquen de gratis”.
9.    ¿Tu eres músico verdad?¿Te sabes la de …..? Si, como estudie música conozco todas las canciones del mundo, porque es la base de nuestra educación
10.  ¿Sabes cantar? a ver cántanos una canción. ¿O te da pena?  Creo que ahorita en el funeral no es muy apropiado que me ponga a cantar. 

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