Poetas y Escritores Griegos y Romanos

Quiero mostrarles una organización elegante y útil, sobre los poetas y escritores griegos y romanos -entre otros- más famosos de la historia universal. una clasificación que respira academia pero también claridad.

Tomé en cuenta época, tradición, género literario y, cuando aplica, influencia filosófica. No es una lista rígida, sino un mapa cultural que te permite ver cómo se ordena este universo poético‑filosófico.

 

🌿 Clasificación general de los autores por tradición, época, género e influencia

🏛️ I. Tradición griega

1. Épica arcaica (s. VIII–VII a. C.)

• Homero – épica fundacional (Ilíada, Odisea).
• Hesíodo – épica didáctica (Teogonía, Trabajos y días).

2. Lírica arcaica (s. VII–VI a. C.)

• Safo, Alceo, Anacreonte, Alcmán, Estesícoro, Íbico,
  Simónides de Ceos, Baquílides, Píndaro, Teognis de Mégara,
  Arquíloco, Hipónax, Mimnermo, Tirteo, Solón.
  Géneros: lírica monódica, coral, elegía, yambo.
  Temas: amor, guerra, moral, política, celebración ritual.

3. Teatro clásico (s. V a. C.)

• Esquilo, Sófocles, Eurípides – tragedia.
• Aristófanes – comedia antigua.

4. Filosofía presocrática (s. VI–V a. C.)

• Parménides, Empédocles – poetas‑filósofos que escriben en verso.
  Influencia: ontología, cosmología, pensamiento racional temprano.

5. Comedia nueva (s. IV–III a. C.)

• Menandro – comedia de costumbres.

6. Helenismo (s. III–I a. C.)

• Calímaco, Teócrito, Apolonio de Rodas, Arato, Nicandro,
  Bión de Esmirna, Mosco, Asclepíades de Samos, Meleagro de Gadara,
  Leónidas de Tarento, Posidipo, Anite, Nosis, Erina, Corina.
  Géneros: bucólica, epigrama, poesía erudita, mitografía poética.

7. Tardohelenismo y época imperial

• Timoteo de Mileto, Focílides, Opiano, Quinto de Esmirna,
  Nono, Trifiodoro, Coluto, Paladas, Babrio, Museo, Licofrón.
  Géneros: épica tardía, poesía didáctica, fábula, epigrama.

 

🏺 II. Tradición latina

1. Época republicana temprana (s. III–II a. C.)

• Livio Andrónico, Gneo Nevio, Ennio, Plauto, Terencio,
  Accio, Pacuvio, Lucilio, Varrón, Varrón Atacino.
  Géneros: épica primitiva, tragedia latina, comedia, sátira.

2. Época de Augusto (s. I a. C.)

• Virgilio – épica y bucólica.
• Horacio – lírica y sátira.
• Ovidio – elegía, mitología poética.
• Catulo, Propercio, Tibulo, Cornelio Galo, Ligdamo – elegía amorosa.
• Lucrecio – poesía filosófica epicúrea (De rerum natura).
  Influencia: materialismo, física antigua.

3. Época imperial (s. I–II d. C.)

• Juvenal, Persio, Marcial – sátira.
• Estacio, Lucano, Silio Itálico, Valerio Flaco, Manilio, Gracio,
  Calpurnio Sículo, Nemesiano, Fedro (fábulas).
  Géneros: épica histórica, épica mitológica, sátira, poesía didáctica.

4. Filosofía y tragedia romana

• Séneca – tragedia y filosofía estoica.

5. Tardoimperial y cristianismo latino (s. III–VI d. C.)

• Ausonio, Prudencio, Juvenco, Claudiano, Rufio Festo Avieno,
  Rutilio Namaciano, Sidonio Apolinar, Paulino de Nola, Sedulio,
  Arátor, Coripo, Draconcio, Venancio Fortunato, Luxorio,
  Emilio Macro, Domicio Marso, Furio Bibáculo.
  Géneros: poesía cristiana, épica tardía, epigrama, poesía cortesana.

 

🔥 ¿Qué revela esta clasificación?

• La tradición griega se mueve desde la épica fundacional hacia la lírica íntima, luego al teatro y finalmente a la erudición helenística.
• La tradición latina absorbe lo griego, lo adapta, y luego desarrolla géneros propios como la sátira y la poesía cristiana.
• Los filósofos‑poetas (Parménides, Empédocles, Lucrecio, Séneca) muestran cómo la poesía fue vehículo de pensamiento profundo.
• El helenismo y el tardoimperio son épocas de refinamiento técnico y experimentación formal.

Lcdo. Argenis Serrano - Culturistech 

Aprender a Usar ChatGPT

Lo que les vamos a decir les va a incomodar, pero es parte de la decencia el poder comprometer todas las situaciones implicadas en un hecho sociocultural para que sobresalga la comprensión y no se entorpezca el proceso de aprendizaje, lo vivencial y el enriquecimiento cultural, en este caso ligado a la tecnología: Niños, adolescentes, adultos y ancianos debemos aprender a usar ChatGPT de manera correcta.

Y no, nos referimos al prompt o esquela con las indicaciones -exactas o laxas- que se le da a esta inteligencia artificial para que genere texto, imágenes, audio o video y sus combinaciones, además de las utilizadas para la ciencia, sociología e implementación tecnológica física, entre otros rubros.

Queremos que la gente logre aprender a usar ChatGPT de manera decente y que no deje en él, todo lo que su esfuerzo requiere. Bien sabemos que este gran modelo de lenguaje lo que hace es crecer en sus más conocidas presentaciones gratuitas o de pago, para PC o móvil.

Un ejemplo de uso moderado lo tenemos con la versión forobeta chatgpt que brinda de manera gratuita para todos sus allegados el foro de negocios hispanoamericano Forobeta. En él, se conversa con su versión avanzada (@BotBeta) de manera libre en uno de los temas de este afamado sitio dedicado a los negocios digitales.

¿Cuál es la diferencia?, que puedes observar cómo consultan los distintos usuarios y reciben respuestas comedidas, siendo por igual ellos comedidos, sabiendo enfocarse en lo medular de cada consulta y evitando abusar o coaccionar a la inteligencia artificial para que realice el 100% del trabajo por y para ellos.

Porque al aprender a usar ChatGPT de manera decente, evitamos que la mente se vuelva sosa (paso necesario para que sea ociosa) y se debilite el estilo personal, seas redactor, programador, diseñador, entre otros.

Incluso ese freno debe estar presente en nosotros mismos, ser leales a la verdad en nuestra soledad, especialmente sí buscamos información para proyectos de estudio o para generar contenido para las redes sociales, páginas web y blogs e incluso para los medios de comunicación o para monetizar en cualquier ámbito con ello.

 

Aprender a usar ChatGPT es demostrar nuestro civismo

Ya que la IA llegó a nuestras vidas, vamos a darla la debida cabida para que nos acompañe y no nos desplace y mucho menos nos domine. Y dicho dominio se enfoca en la mente por igual.

Hace poco observé que un meme se hizo canon de golpe, cuando un estudiante solicitó a una IA que le realizara sus proyecto de pregrado y esta la estructuró y él la presentó casi como la inteligencia artificial se la dio.

Y tuvo la aprobación para llegar al proyecto final, instancia en la cual fue que se descubrió que todo el proceso fue generado por IA, tanto por las “alucinaciones de ChatGPT” como por las incongruencias de defensa del alumno, el cual tuvo que volver a tomar el curso, no sin antes ser expuesto, así como su tutor y profesores que le dieron el visto bueno en primera instancia.

Es aquí donde aseguramos que hay que aprender a usar ChatGPT y a cualquier IA en el mercado con la ética, responsabilidad y conciencia que todo humano ha de tener y que esa herramienta no posee ni debe poseer.

Hemos llegado con prontitud al uso de un instrumento que nos permite realizar búsquedas y tomar ideas más preclaras para que construyamos conocimiento y generemos aporte de valor, en nuestros simples asistentes en los que se delega todo de manera tan confiada, quien el mismo usuario se toma la molestia de leer, analizar, corroborar y depurar.

No es la tecnología ni son los desarrolladores los que están permitiendo que la moral y los valores se pierdan, creando una aculturación que es la antesala a la beligerancia y la comodidad en extremo, que le resta valor a la sociedad y al trabajo fecundo y creador.

Estamos a tiempo de poner en control nuestros impulsos de dejar todo en manos de la IA y aprender a usar ChatGPT con respeto por nosotros mismos y el entorno; esa será la manera de que rinda, no reste fuentes de trabajo y despeje nuevas incógnitas e intereses que ayuden a construir más conocimiento.

La inteligencia artificial nos necesita para existir tanto en su retroalimentación como uso; no al revés. Y para que le saquemos el máximo potencial debemos tener disciplina y saber convivir con ella y con el entorno humano.

La decencia y mesura, el apoyo del entorno y la presencia de personas que nos ayuden a mantenernos en la raya de la ética (como hace el CEO carlos arreola forobeta y su equipo de aliados moderadores para que se use bien a BotBeta en sus diversas funciones y a Forobot) garantizarán que logremos aprender a usar ChatGPT no sólo en su aspecto técnico, funcional y creativo, sino en el halo sociocultural y de decencia que garantiza que las personas sean mejores y crezcan equilibradas tanto en el saber cómo en el sentir.

Lcdo. Argenis Serrano - Culturistech 

Historia del Panetone: De un error en la Corte Ducal a rey global de la Navidad

El Panetone o Panetón, con su icónica forma de cúpula y su interior aireado repleto de frutas confitadas y pasas, no es solo un postre, sino un relato tejido con historia, leyenda y una buena dosis de competencia industrial. Su origen, arraigado en la fastuosa Milán, es tan rico y dulce como el propio bizcocho, con versiones que van desde un accidente afortunado en una cocina noble hasta un acto de caridad medieval.

 

La leyenda romántica: El héroe llamado Toni (1495)

La versión más popular nos sitúa en la opulenta corte de Milán en la Nochebuena de 1495, bajo el mando del poderoso Ludovico el Moro, duque de la dinastía Sforza. El Duque había organizado un banquete suntuoso, y la presión en la cocina era inmensa para impresionar a la nobleza. Sin embargo, en un giro dramático, el postre principal destinado a culminar la cena se carbonizó irremisiblemente en el horno, sumiendo al jefe de cocina en el terror ante la temida ira de Ludovico, conocido por no perdonar errores.

En medio del caos, un humilde y joven lavaplatos o ayudante de cocina, llamado Toni, hizo una audaz propuesta. Él había guardado una porción de masa madre sobrante para hornear un pan simple para sí mismo, al que le había añadido los ingredientes más preciados y aromáticos que tenía a mano: huevos, azúcar, pasas y trozos de fruta confitada. Al no tener otra alternativa para salvar su vida y la reputación de la cocina, el chef se vio obligado a servir esta improvisada creación.

La tensión en el salón era palpable mientras el Duque Ludovico probaba el inusual postre. Tras un momento de absoluto silencio, la sonrisa se dibujó en el rostro del gobernante. Preguntó por el artífice de esa "maravilla aromática". El chef, temblando, confesó la verdad, diciendo que era el "Pan de Toni". Así nació la leyenda del "Pane di Toni", que, con el paso del tiempo y la evolución fonética, se transformaría en el nombre que hoy conocemos universalmente: Panettone. Esta entrañable historia se revive cada año, reforzando el aura de magia y azar que rodea al dulce navideño.

 

📜 La versión histórica y el decreto de 1395

A pesar del atractivo de la historia de Toni, los historiadores ofrecen una versión más anclada en la realidad de la Edad Media. En aquella época en Milán, el trigo era un bien de lujo. Solo las clases más ricas tenían acceso al pan blanco y refinado.

No obstante, un decreto de 1395 cambió las reglas del juego, al menos durante las fiestas: se permitía que, en Navidad, todos los panaderos, sin distinción, hicieran el "Pan del Ton" (literalmente "pan de lujo" o "pan grande") tanto para los ricos como para los pobres. Era una efímera muestra de igualdad y opulencia navideña.

Este pan especial era enriquecido con los mejores ingredientes disponibles en esa época. Cada adición tenía un simbolismo profundo:

• Las pasas representaban la riqueza y la prosperidad, ya que se asemejaban a monedas de oro viejas.
• La fruta confitada era un deseo de salud para el nuevo año.
• La masa madre (levadura natural) simbolizaba la eternidad y la continuidad de la vida.

Regalar este pan era, por tanto, una forma de desear prosperidad física y económica para el año venidero, consolidando su estatus como un ícono de generosidad y buenos deseos.

 

💘 La leyenda del panadero enamorado: Ughetto degli Atellani

Existe otra leyenda popular que añade un toque de romance a la génesis del panetón. Esta versión está protagonizada por Ughetto degli Atellani, un joven noble milanés. Ughetto se había enamorado perdidamente de la hija de un humilde panadero cuya tienda estaba al borde de la quiebra. Para ayudar a su amada y levantar el negocio familiar, el joven noble se disfrazó de aprendiz.

Utilizando sus propios recursos, Ughetto compró mantequilla y azúcar, ingredientes extraordinariamente caros para la época, y los incorporó a la masa del pan tradicional de la tienda, mejorándolo sustancialmente. El pan resultante fue un éxito rotundo en ventas, salvando a la panadería de la quiebra y permitiendo que los enamorados pudieran casarse. En esta versión, el nombre se derivaría de la palabra dialectal milanesa "Panetton", que se traduce simplemente como "pan grande".

 

🏭 La revolución de Motta: El panetone moderno

Curiosamente, el panetón que conocemos y amamos hoy, con su característica forma alta y esponjosa, es un invento relativamente reciente. Hasta principios del siglo XX, era un dulce más denso y plano, similar a una focaccia dulce enriquecida.

La verdadera revolución llegó en 1919 de la mano de Angelo Motta. Motta decidió desafiar las tradiciones y transformar la estructura del pan. Su innovación crucial fue dejar que la masa subiera no una, sino tres veces durante un proceso prolongado que podía durar cerca de 20 horas. Para evitar que la masa, ya extraordinariamente ligera, se desparramara hacia los lados, introdujo un "corsé" de papel a su alrededor, conocido como pirottino.

Este pirottino fue la clave para su forma de cúpula icónica, permitiendo que la masa creciera verticalmente, resultando en un pan mucho más aireado, ligero y de mayor altura. En las décadas de 1920 y 1930, una feroz rivalidad industrial entre Motta y otro panadero, Gioacchino Alemagna, impulsó la producción masiva. Esta competencia no solo industrializó el proceso y redujo los precios, sino que también catapultó al panettone a ser el rey indiscutible de la Navidad en toda Italia, superando a otros dulces regionales.

 

🌎 El Secreto de la "Madre" y la Conquista Global

Tras la Segunda Guerra Mundial, la migración italiana llevó la receta del panetone a nuevos horizontes, especialmente a Sudamérica. Países como Perú, Brasil y Argentina adoptaron el Panetón como una obsesión nacional, llegando a consumir per cápita incluso más que en la propia Italia.

El verdadero secreto de un panettone de calidad reside en la "madre": la masa madre natural. A diferencia de la levadura química, esta masa requiere cuidado y alimentación diaria, y algunas panaderías artesanales en Milán presumen de usar cepas vivas de hace 80 o incluso 100 años.

Su estructura, increíblemente rica en mantequilla y yemas de huevo, es inestable. Si se retira del horno y se deja reposar normalmente, colapsaría por su propio peso. Por esta razón, el panettone tiene un ritual de enfriamiento único: debe ser inmediatamente pinchado con agujas y colgado boca abajo durante horas.

 Observar una fábrica de panetone se asemeja a un espectáculo de un "ejército de murciélagos dulces" colgando del techo. Este proceso laborioso, que puede tomar hasta tres días en la producción artesanal desde la mezcla inicial de la harina, es la prueba de la paciencia y la dedicación que encierra este dulce navideño.

Hoy, ya sea que honremos al humilde "Pan de Toni" o celebremos la genialidad industrial de Motta, el panettone es un símbolo global de la Navidad, un delicioso recordatorio de que a veces, las mejores tradiciones nacen de un error en la cocina.

Lcdo. Argenis Serrano 

¡Cuerpo, mente y comunidad! La salud integral como eje de los grupos culturales

Hemos sido testigos de jornadas de atención médica promovidas por distintos laboratorios en merida apoyando a cultores de diversas edades ya que, como es bien sabido, no todos están en los grupos culturales por dinero, sino por vocación y amor al arte, compartiendo con otras actividades que no precisamente dejan mucho dividendo.

Más allá de lo incómodo de atravesar una mala situación económica, nos debemos alegrar porque existan alternativas motivadas por la empresa privada para la prevención y atención médica integral, permitiéndoles así salvaguardar sus vidas entregadas a las artes y expresiones tradicionales de sus pueblos y recordándoles que son seres valiosos para la nación y la humanidad.

Los grupos culturales —ya sean de danza folklórica, teatro comunitario, bandas musicales o talleres de artesanía— son mucho más que espacios para la práctica de una disciplina. Son personas realmente, que hilvanan verdaderas redes de apoyo social, vehículos de identidad y motores de creatividad. Sin embargo, en el entusiasmo por el arte y la tradición, a menudo se pasa por alto un componente vital para la longevidad y la calidad de la experiencia: la salud integral.

La salud integral es un concepto que abarca el bienestar físico, mental, emocional y social. Parte desde el sencillo acto de realizarse exámenes de laboratorio (heces, orina, pruebas de dengue, Perfil 20, etc.), hasta estudios más avanzados sí es que se presenta patología alguna. Para los miembros de cualquier grupo cultural, adoptar este enfoque mejora su rendimiento artístico, sino que también enriquece su vida personal y fortalece los lazos dentro de la comunidad, aumentando sus defensas físicas y que inciden en sus defensas emocionales y sus labores culturales remuneradas o no.

 

El cuerpo en armonía: Cuidado físico y rendimiento de cada integrante de los grupos culturales

El compromiso con los grupos culturales exige, en muchos casos, una significativa demanda física. Los bailarines necesitan resistencia y flexibilidad, los músicos deben cuidar su postura y audición, y los artesanos requieren precisión manual y una ergonomía adecuada. Priorizar la salud física es fundamental para prevenir lesiones que podrían truncar una carrera o una pasión.

Preparación física específica: Han de incorporar rutinas de calentamiento y enfriamiento adecuadas antes y después de cada ensayo o presentación. La prevención de lesiones musculoesqueléticas es vital, especialmente para actividades de alto impacto o movimientos repetitivos.

Nutrición como combustible: Una dieta balanceada proporciona la energía necesaria para mantener el ritmo de los ensayos, que a menudo se realizan fuera del horario laboral o académico. La hidratación constante, especialmente durante las prácticas intensas o bajo el calor de las luces del escenario, es imprescindible.

Descanso y recuperación: El cuerpo necesita tiempo para repararse. Fomentar una cultura de sueño de calidad y programar días de descanso activo puede marcar la diferencia entre el agotamiento y el rendimiento sostenido.

 

La mente creativa: Bienestar emocional y cognitivo

La presión por la perfección, los nervios del escenario y la gestión de la dinámica dentro de los grupos culturales pueden generar estrés y ansiedad. Aquí es donde el bienestar mental y emocional juega un papel estabilizador en varios aspectos.

Manejo del estrés: Los grupos pueden promover técnicas de conciencia plena (mindfulness) o respiración antes de las presentaciones para centrar a sus miembros. Reconocer y hablar abiertamente sobre la ansiedad escénica normaliza estas emociones y permite buscar apoyo.

Estimulación cognitiva: Las actividades culturales, como el aprendizaje de nuevos pasos, la memorización de guiones o la lectura de partituras, mantienen el cerebro activo. La salud cognitiva se beneficia enormemente de la constante adquisición de nuevas habilidades y la resolución de problemas creativos que son inherentes a estos grupos.

Fomento de la autoexpresión: El arte es una poderosa vía de desahogo emocional. Proporcionar un espacio seguro para que los miembros se expresen a través de su disciplina contribuye directamente a su resiliencia emocional y a la reducción de síntomas depresivos.

 

El latido de la comunidad: Salud social y pertenencia

Quizás el beneficio más profundo de los grupos culturales es su capacidad para fomentar la salud social. Sentirse parte de algo más grande que uno mismo es un poderoso antídoto contra el aislamiento.

Inclusión y diversidad: Los líderes deben garantizar un ambiente de respeto e inclusión. Celebrar la diversidad de orígenes, edades y habilidades dentro del grupo cultural fortalece el sentido de pertenencia y cohesión social.

Redes de apoyo mutuo: Los grupos culturales se convierten en familias elegidas. Fomentar la comunicación abierta y la escucha activa permite a los miembros compartir sus luchas y éxitos, creando una red de apoyo invaluable que trasciende el ensayo o la actuación.

Conexión con la sociedad: Al compartir su arte con la comunidad externa, los miembros experimentan un sentido de propósito y utilidad social. Este impacto positivo refuerza su autoestima y su percepción de valor, elementos clave para la salud integral.

Adoptar una visión de salud integral en los grupos culturales es, en última instancia, una estrategia de supervivencia y florecimiento. No sólo garantiza que la tradición y el arte continúen, sino que también asegura que las personas que los mantienen vivos estén sanas, felices y listas para inspirar a otros.

Lcdo. Argenis Serrano 

Relación entre la Ciencia, Filosofía y Arte

Sí, existen profundas e ineludibles relaciones entre la Ciencia, Filosofía y Arte. Lejos de ser disciplinas aisladas, estas tres áreas representan los principales modos en que la humanidad busca comprender, interpretar y expresar la realidad que nos rodea y nuestra propia existencia. Juntas, forman un tapiz que cubre la experiencia humana desde el rigor de la prueba hasta la belleza de la expresión.

 

Relación entre la Ciencia, Filosofía y Arte: ⚗️Ciencia

La búsqueda de la verdad objetiva

La Ciencia se define como un sistema organizado de conocimiento que utiliza el método científico para formular hipótesis, realizar experimentos y establecer leyes y principios sobre el universo observable. Su objetivo es la explicación objetiva y comprobable de los fenómenos naturales.

Relación con la Filosofía: La Ciencia nace de la Filosofía. La Filosofía de la Ciencia examina los cimientos, métodos y consecuencias de la práctica científica. Preguntas como: ¿Qué es una ley científica? ¿Podemos probar la verdad absoluta? ¿Qué significa "causa y efecto"? son puramente filosóficas y cruciales para la Ciencia. Por ejemplo, Immanuel Kant y el positivismo lógico influyeron en cómo los científicos del siglo XX entendían la validez del conocimiento empírico.

Relación con el Arte: Aunque parezcan opuestos, la Ciencia inspira el Arte y viceversa. La Ciencia revela estructuras invisibles que el Arte hace visibles o tangibles.

Ejemplo: La fotografía y el cine se basan en la física óptica y la química. El arte cinético o la escultura fractal (que utiliza patrones matemáticos descubiertos por la ciencia) son ejemplos directos. El artista utiliza la geometría y la composición (a menudo basadas en proporciones matemáticas como la $phi$ o proporción áurea) para lograr la belleza.

 

Relación entre la Ciencia, Filosofía y Arte: 🤔 Filosofía

La cuestión de la interpretación y el sentido

La Filosofía es el estudio de problemas fundamentales y generales relacionados con la existencia, el conocimiento, los valores, la razón, la mente y el lenguaje. Su método es la razón crítica y su objetivo es la comprensión profunda del sentido de la realidad y del ser.

Relación con la Ciencia: Como se mencionó, la Filosofía es su génesis. La Metafísica (el estudio de la naturaleza fundamental de la realidad) y la Epistemología (el estudio del conocimiento) dictan los límites y las posibilidades de lo que la Ciencia puede buscar o declarar como verdadero. Los desafíos de la Física Cuántica o la Neurociencia hoy en día obligan a los científicos a recurrir a la Filosofía para interpretar sus implicaciones.

Ejemplo: La ética (rama de la Filosofía) guía el uso de tecnologías científicas avanzadas, como el debate sobre la edición genética o la Inteligencia Artificial (IA).

Relación con el Arte: La Filosofía proporciona el marco conceptual para entender y valorar el Arte. La Estética es la rama filosófica que estudia la naturaleza del arte, la belleza y el gusto.

Ejemplo: Hegel analizó cómo el Arte representa el espíritu de una época. Un crítico de arte utiliza conceptos filosóficos como el sublime o el feísmo para evaluar una obra. Las obras de arte a menudo exploran directamente preguntas filosóficas sobre el sufrimiento, la libertad o el destino.

 

Relación entre la Ciencia, Filosofía y Arte: 🎨 Arte

La expresión de la experiencia y la intuición

El Arte es el proceso o producto de la actividad humana, realizado con la intención de comunicar o expresar ideas, emociones, una visión del mundo, o para producir una belleza que se percibe a través de los sentidos. Su objetivo es la expresión subjetiva e intuitiva de la experiencia.

Relación con la Filosofía: El Arte es una forma de conocimiento no verbal que a menudo se adelanta a la formulación filosófica. Una obra de arte puede plantear una pregunta o presentar una idea de forma más visceral y directa que un tratado filosófico.

Ejemplo: El Existencialismo (una corriente filosófica) fue poderosamente expresado a través de la literatura de Albert Camus o las obras de Franz Kafka, demostrando cómo el Arte da forma sensible a las ideas abstractas de la Filosofía.

Relación con la Ciencia: El Arte a menudo hace accesible el conocimiento científico o lo utiliza como materia prima para la creación.

Ejemplo: La pintura del Renacimiento no habría sido posible sin los estudios científicos y anatómicos de figuras como Leonardo da Vinci. En la actualidad, el arte de datos (Data Art) utiliza complejos conjuntos de datos estadísticos o biológicos para crear visualizaciones estéticas, transformando números fríos en piezas emotivas y comprensibles.

La imagen de abajo ilustra esta interconexión como un diálogo constante:

Las tres disciplinas, por lo tanto, no solo coexisten, sino que se enriquecen mutuamente. La Ciencia proporciona el "qué" de la realidad; la Filosofía indaga el "por qué" y el "deber ser"; y el Arte expresa el "cómo se siente" ser parte de esa realidad.

Lcdo. Argenis Serrano - Culturistech 

Sin Miedo al Absurdo

Alguna vez una profesora de teatro en mi adolescencia nos dijo que no debíamos tenerle miedo al absurdo y que ello no era sólo a las morisquetas que se tuviesen qué hacer en una obra o la vestimenta, el lugar y el tipo de público.

Esa negación al temor también aplicaba ante los errores, las fallas involuntarias y la percepción y reacción del público, incluso entre los conocidos. Todo ello para forjar el carácter, saber aprender de los errores y adentrarse en la psicología del personaje y no dejarse intimidar por el “qué dirán”.

En el canto coral también hay algo de ello, especialmente en los coros de personas “musicales” (que no son músicos, pero que son receptivos a la guía y entrenamiento para acoplarse, especialmente en el canto en grupo).

Ocasionalmente, los errores surgen y éstos no solamente deben ser asimilados musicalmente por el director y su grupo, sino psicológicamente, tomándole “el lado amable”, y aprender a corregir y aumentar, para no temerle más a tal o cual canción, escenario o incluso, terminar retirándose y evitando a su grupo de amigos.

Nuestro director por siempre, Armando Linares, decía que era común incluso en los coros profesionales. Que lo habitual es que un coro se baje (que tomen el tono más bajo) y eso obligue a detener la canción. Y que sí el coro se subía, eso igual era una falla.

Pero que la gracia estaba en volverla a ensayar enfrentarla y ponerle más garbo, para que la canción suene mejor porque cada quien en su corazón sabe que debe vencerla a ella, honrándola con una interpretación adecuada, lo que es la única forma de que no vuelva a salir mal.

Recordemos que nuestra valentía se demuestra cuando sin resquemor alguno usamos uniformes poco convencionales o cantamos en áreas para nada comunes o adaptadas al canto vocal. Muchos transeúntes lo toman a chanza o indiferencia y nosotros, pasamos de ello porque hacemos lo que amamos y sabemos que estamos dejando un legado mejor que la crítica pueril.

En una ocasión estuvimos compartiendo escena con un coro infantil por demás maravilloso, que combinaba canto, baile y teatro con gran sincronía y permitiendo que todos sus integrantes tuviesen su segundo destacado de solista.

Una niña integrante, falló en el tiempo y se trabó al cantar; su siguiente compañera entró a tiempo y todo ello fue rápidamente solventado. Al público no le interesó la falla, sino el alabar el esfuerzo.

La niña, cuando salíamos, lloraba en brazos de su madre y directora, desconsolada. Me le acerqué y recuerdo que le dije, “en una presentación hace unos 15 años, hice un solo y en casi todo el fraseo hablé como “El Gallo Claudio”, haciendo que la canción se cayera. Y, heme aquí, contándolo feliz y con el aprendizaje intacto, sin temor al ridículo.

Ella comenzó a reír y sus amiguitas también. Un par de años después les volvimos a ver y ella estaba allí. Todo había pasado y seguía con su pasión.

Un mal día lo tenemos todos, la decisión de tomarlo con educación y gracia radica en nosotros y en el claro apoyo que nuestras amistades nos brinden.

La magia de los coros de músicos no profesionales radica en que es un hobbie que busca dar lo mejor de sí. Los coros médicos intentaban cada año innovar, mostrando en cada encuentro coral el valor del instrumento más difícil de ejecutar -la voz-, acompañada de canciones tradicionales y populares que ampliaran el pentagrama y demostraran que el canto en coros no es estar estáticos, sino estar vivos y contagiar de ello a quienes escuchan.

Disfraces, bailes, recitados, solos, monólogos, improvisaciones, teatralidad, sincronización de rutinas vimos año tras año y jamás lo sentimos como un absurdo o ridículo, sino la esencia libre del ser. Y ello era así porque no le temíamos al bufo, por lo cual no estaba presente.

El punto era darle vida, personalidad y entrega personal y grupal a cada intervención, para que un pedacito quedase grabado en el público. Seguro estoy, que todos lo logramos.

En la vida cotidiana, cuando cantamos, jugamos, conversamos o estamos con la persona amada, el absurdo es parte de esa conjunción de sentimientos y libertad que nos nutre y no debemos dejar de lado.

Divertirse y hacer que los demás sean felices, es lo que nos permitió acoplar perfectamente nuestros caracteres, profesiones y maneras de cantar, abriendo un segmento inimitable y encomiable que se hizo parte de nuestro país.

Sigamos cantando sin miedo alguno, con o sin coros. Y sí debemos temerle a algo, es a la apatía, al exceso de formalidad, el esnobismo o al “mírame pero no me toques”, esas versiones elitistas y separatistas que mal mientan cultura y que se alejan de encontrarse con el corazón y ánimo de aquellos que se toman el tiempo de escucharnos.

Lcdo. Argenis Serrano - Culturistech 

Inteligencia Artificial Como Nuevo Fenómeno Cultural

Tratando de cultivarnos al respecto de la inteligencia artificial por medio del portal web educativo e informativo IAHoy, nos enfocamos en el cómo se ha convertido en todo un hito cultural del cual todos hablan, pero que no todos tratan con el debido respeto y equilibrio.

Y no lo decimos tanto por los equipos computacionales y lenguajes o modelos de IA generativa que se desarrollan, sino el respeto propio de cada usuario que llega a verse agobiado por los cambios radicales que se han suscitado con la implementación de la AI, o que no le saca el provecho o incluso, se aprovecha tan en exceso que le delega el 98% de las acciones y termina sin aprender ni un ápice.

Esto ha desequilibrado tanto a los procesos de aprendizaje como al tratamiento social. Algunos ofrecen villas y castillas y sólo delegan en un prompt el cómo se verá una imagen, una publicidad, un material audiovisual o un código que será parte de una aplicación o web por la cual se pagó mucho y lo que le brindaron fue un resultado casi que al azar.

 

Ser culturalmente correctos al utilizar la inteligencia artificial

Al leer IA HOY, notamos que se enfocan en enseñar cómo utilizar con ética y verdadero sentido de la oportunidad a estas herramientas de diseño y creación digital, reforzando esos conocimientos con información adecuada y actualizada sobre los avances en los distintos tipos de inteligencia artificial generativa.

Esta tarea titánica se debe extrapolar a los usuarios que utilizan sus sistemas operativos Android, Apple, Amazon, Microsoft en cualquier dispositivo, para que en vez de tener “mayordomos digitales”  (por no decir esclavos), tengan ayudantes y compañeros computacionales que saben aprender de los usuarios.

Y sí el poder sociocultural de los usuarios se enfoca en lo más alto, lo ético y lo preponderante de los valores humanos, la misma IA terminará aprendiendo y más que censurar o excusarse al brindar resultados, entenderá cómo tratar los asuntos más delicados de la manera más salomónica posible, casi que emulando  a la conciencia humana (sin llegar a ella, sólo emular para mantener el equilibrio de las cosas.

 

Lo que podría aprenderse

De la pintura se aprendió a la captura de las emociones y virtudes; de la escultura, el alcance del cuerpo humano y sus acciones; de la música, la nobleza y comunión de los humanos.

Y ahora, que consideramos a la inteligencia artificial el hito cultural de este siglo y de los siguientes quizá -con su evolución-, podríamos considerarle el balance de los aprendizajes teórico – prácticos, algo que -y perdón por el juego de palabras- en teoría se ve muy bien y en extremo necesario, pero que muy pocos han sabido poner en práctica.

Para que la artificial intelligence (AI) subsista, se requiere a la humanidad. Y para que la humanidad prosiga debe tratar de no extinguirse desde sus mayores raíces: Mente, alma, corazón y acción. Esto conlleva a no permitir que sea la IA la que haga todo por uno, sino que uno sea su supervisor, solicitante, aliado, corrector y quien aumente con su propia naturaleza, sapiencia y creatividad, lo que esta herramienta puede lograr.

Ha sido la inacción y el encierro lo que acabó con las sociedades, como ocurrió con los incas, que crearon muros para alejar a los enemigos pero a su vez no permitieron la entrada y salida del conocimiento, quedándose atrás hasta su final.

El encierro y el uso exclusivo de la inteligencia artificial puede ser el fin de las tradiciones culturales y de la interacción social, tal cual la conocemos, haciendo que las personas sean cada vez más gregarias y propensas a ser débiles ante quienes pueden manipular la situación de letargo causado por encerrarse en el predio de la IA y no cohabitar con otras personas.

 

Sacar lo mejor de ella

Quien tiene buena educación y motivación, no se duerme en sus laureles y sabe darle uso adecuado y a la medida a las herramientas que se le presentan. De allí que haya personas que se encarguen de enseñar, informar y estimular un uso adecuado de esta herramienta computacional de avanzada como lo hace IA Hoy.

También de quienes se dejan ayudar por modelos automatizados que complementan el flujo de tareas no para que la gente se estanque porque alguien las haga por él, sino para ampliar el abanico de acciones y poder tocar otros rubros e ideas que además de generarle el dinero para ser solventes, les ayude a trascender en su propia inteligencia lógico – matemática así como en su inteligencia emocional.

Toda persona que es parte de una cultura, sabe que el engranar los conocimientos y herramientas en ro de ayudarse y ayudar a los demás, mantiene a la sociedad despierta, útil, estable y con ímpetus de seguir creciendo.

Y sí cuentan con el apoyo de maestros, ingenieros, creadores de contenido y conocedores de la IA como los responsables de IA Hoy, la verdad es que la inteligencia artificial puede pintar al futuro de colores y no de color cromo como se ha mostrado en novelas futuristas que han sido referentes de lo que serían los tiempos por venir.

Ahora hay otro apoyo para ser más culto y poder ser un ciudadano universal como lo permite la inteligencia artificial. Lo que se necesita es el interés y la entereza para darle un uso comedido, responsable y ético por demás.

Lcdo. Argenis Serrano - Culturistech 

Fred Gwynne (Herman Munster): La risa en la tristeza

En el año de 1955, la escena de Broadway se rindió ante un talento singular. Un caballero de impresionante estatura, rozando los 1.98 metros, se presentó en una audición para la obra La señora McThing. Este era Fred Gwynne, cuya humildad contrastaba con su porte, una cualidad tan innata como su profunda y cautivadora voz de barítono. A pesar de presentarse con unos pantalones prestados, demasiado largos y deshilachados —un humilde amuleto de suerte—, su presencia llenó el teatro. Apenas había comenzado a leer cuando un murmullo de admiración recorrió la sala: "Ese es nuestro hombre". 

Este fue el acto de apertura de una trayectoria profesional y vital extraordinaria, un camino que, si bien desató la carcajada de millones, mantuvo en silencio el duelo de su propio corazón.

Antes de que su rostro fuese sinónimo de maquillaje verde y tornillos en el cuello, Gwynne fue un verdadero erudito de Harvard. Se graduó de esta prestigiosa institución y fue una figura central: fungió como editor del icónico periódico satírico The Harvard Lampoon y entonó melodías como cantante en el grupo a capella The Krokodiloes. Su genio no se limitó a las tablas; fue un consumado pintor y dibujante de cómics, colaborando con publicaciones de alta alcurnia como The New Yorker. Un amigo de aquellos días lo recordaba con reverencia: "Esperabas chistes, pero él te daba filosofía, con suavidad".

Su escalada a la fama fue metódica. Su espíritu cómico brilló en la serie Auto 54, ¿Dónde estás? (1961), pero fue la piel de Herman Munster la que le concedió la inmortalidad. Herman era un coloso de aspecto intimidante, sí, pero de alma noble; un monstruo tierno que reía con la inocencia de un niño y amaba con la devoción de un padre. Gwynne solía precisar: "Herman no era tonto. Solo intentaba encajar en un mundo que no lo comprendía del todo".

Lamentablemente, cuando las luces de la comedia se apagaron, Hollywood se reveló cruelmente miope. Los directores de casting fueron incapaces de vislumbrar al actor más allá de la máscara del monstruo. Con una punzada de amargura, Gwynne confesó: "Cada vez que me presentaban a un papel serio, me decían: 'Te queremos, pero no podemos tener a Herman Munster en este papel'".

La frustración culminó en una audición a fines de los años 70. Un productor, con un suspiro resignado, le dijo: "Fred, eres maravilloso, pero Herman está sentado justo ahí contigo". Gwynne, con una sutil sonrisa y la dignidad de un rey, se levantó y replicó con humor intacto: "Entonces, deja que Herman salga de la sala". Y con esa frase, abandonó la escena y el yugo del prejuicio.

Se refugió en el escenario teatral, en la serenidad de sus lienzos y en la escritura de libros infantiles. Sus obras, con títulos ingeniosos como El rey que llovió, eran cuentos extravagantes donde las palabras bailaban y la risa se convertía en bálsamo. "Los niños entienden lo que los adultos olvidan", musitó una vez, "que el juego es sagrado".

A pesar del olvido parcial de Hollywood, su grandeza como persona no menguó. A finales de los 80, a la salida de un restaurante, un joven actor le solicitó consejo. Gwynne no solo lo atendió, sino que lo invitó a sentarse y conversó con él por más de una hora. Le aconsejó con la dulzura de un mentor: "No dejes que el mundo te diga quién eres. Un papel termina. Tú no". Y culminó, como si describiera su propia filosofía: "El truco está en seguir creando, incluso cuando nadie te ve".

Su regreso triunfal al cine se dio en 1992 con Mi primo Vinny, donde su brillantez impasible como el Juez Chamberlain Haller asombró al público. Esa ceja levantada y su control dramático recordaron a todos que el gigante podía dominar cualquier escena con un mero susurro.

Fred Gwynne nos dejó en su casa de Maryland el 2 de julio de 1993, a la edad de 66 años. Su partida no tuvo la parafernalia de Hollywood, sino la paz de quien se ha reconciliado consigo mismo. Dejó lienzos sin terminar y libros que continuarían deleitando a los niños.

Una vez, declaró: "La risa es mi forma de hacer las paces con el mundo". Y quizás, al final, con esa última y noble actuación, lo consiguió.

 

🖤 El corazón silencioso del artista: datos adicionales de Fred Gwynne

Además de sus múltiples talentos, la vida personal de Fred Gwynne estuvo marcada por la adversidad.

• Dolor Personal: El humor de Gwynne era a menudo una fachada para su dolor. En 1965, mientras estaba en la cúspide de la fama con Los Munsters, su hija, Brooke, falleció trágicamente a causa de un accidente en la piscina. Este evento devastador lo sumió en una profunda tristeza que arrastró durante años. Continuó trabajando en el set, pero el contraste entre la risa forzada de Herman Munster y su dolor real fue un tormento silencioso.
• Servicio de Guerra: Antes de Harvard, Gwynne interrumpió sus estudios para servir a su país. Se alistó en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, donde ejerció como operador de radio a bordo de un cazasubmarinos.
• Matrimonio y Legado: Estuvo casado dos veces, primero con Foxy Leech, con quien tuvo cinco hijos. Su segundo matrimonio, con Deborah Flater, en 1988, le brindó paz en sus últimos años.
• Artista Visual: Su habilidad artística iba más allá del hobby. A lo largo de su vida, vendió varias de sus pinturas y dibujos en exposiciones de arte, y su estilo era reconocido por su sencillez y calidez, muy similar a la de sus libros infantiles. Su arte fue un escape y una vocación tan seria como la actuación.

 

🧛 Curiosidades de Fred Gwynne en Los Munsters

• El origen de la risa de Herman: La risa inolvidable de Herman Munster, que sonaba como un aullido exagerado, no era algo ensayado; Gwynne la creó en el momento y se convirtió en una de las marcas registradas más queridas del personaje.
• Maquillaje agotador: El proceso para convertirse en Herman Munster era extremadamente arduo. Fred Gwynne pasaba casi cuatro horas en la silla de maquillaje para que le aplicaran el pegamento, las piezas protésicas, el maquillaje y la gruesa y pesada chaqueta de espuma.
• Memorizando el guion: A pesar de las largas horas bajo el maquillaje y las prótesis, Gwynne nunca usaba tarjetas o prompters. Demostraba un compromiso total con su arte al memorizar sus líneas perfectamente.
• La amistad con "Lilly": Gwynne forjó una profunda amistad con la actriz Yvonne De Carlo, quien interpretaba a su esposa, Lily Munster. Se apoyaron mutuamente durante las exigentes jornadas de grabación y los desafíos personales.
• Zapatos elevados: Para que Herman luciera aún más imponente y monstruoso al lado de su esposa (Yvonne De Carlo medía 1,63 m), Fred Gwynne usaba unos zapatos con plantillas especiales. Esto elevaba su altura total a más de 2 metros, acentuando la cualidad de gigante gentil del personaje.

Lcdo. Argenis Serrano